Como hemos visto en el arte, el uso de los colores ha sido un medio utilizado para transmitir diferentes estados de ánimo inspirados en la teoría del color. Desde colores que tramiten paz y armonía como el blanco, naranja y amarillo para representar momentos felices o inspiradores, hasta los colores fríos como el azul, el negro y el verde utilizados para representar momentos de tristeza y soledad a través del arte como el cine, la fotografía y la pintura. Destacando sobre todo al azul como el color más común en ser asociado con la tristeza, la depresión y la soledad en diferentes medios e incluso como una expresión popular entre la gente al referirse a un día triste o desanimado. Lo que nos lleva a uno de los periodos artísticos más reconocidos del arte y su significado: El periodo azul de Picasso.
Nacido en España, el pintor y escultor Pablo Picasso marcó historia por ser pionero de movimientos artísticos del siglo XX en el que destaca principalmente el cubismo, expuso una extensa cantidad de obras entre 1901 y 1904 según investigadores, que superó la cifra de 45,000 piezas de arte inspiradas en el color azul, el cual se tituló “Blue Period”.
Este periodo de pinturas azuladas que representan la tristeza y la melancolía surgió luego de que el pintor y poeta Carlos Casagemas, quien era un amigo muy cercano de Picasso se quitara la vida. Suceso que lo condujo a una depresión y sensibilidad que lo inspiró a crear una obra en su honor titulada “La Muerte de Casagemas” con la que dio inicio a esta serie de pinturas en las que plasmó situaciones y personajes de distintas edades para representar la soledad, la miseria, la tristeza y la muerte en donde predominan los tonos azulados, verdes, negros y marrones que reflejaban el estado de ánimo de Picasso.
Les compartimos 15 de las mejores pinturas de este peculiar periodo de uno de los pintores más influyentes del arte.
“La muerte de Casagemas” (1901)
Esta pintura al óleo es el primer homenaje a su fallecido amigo, y una manera muy directa de honrarlo al pintarlo dentro de su ataúd. Siendo esta la primera de su colección en donde retrata la muerte y el sentimiento de tristeza y soledad a través del azul, verde y marrón.
“La Habitación Azul” (1901)
La pintura nos muestra a una mujer desnuda en una habitación azul dándose un baño. En donde además del azul se utiliza el rojo, café, amarillo, naranja, verde y blanco para transmitir la sensación de tristeza. Sin embargo, un aspecto aún más más interesante de esta pintura se oculta en la superficie, ya que al verla con rayos X se reveló el retrato de un hombre con barba. Algo que muchos coinciden en que podría tratarse de un reciclaje de lienzo debido a la pobreza de Picasso en ese entonces, y por otro lado están quienes creen que puede tener una relación más profunda con la idea general del lienzo.
“La Tragedia” (1903)
Como mencioné al inicio, el periodo azul de Picasso nos muestra diferentes situaciones relacionadas con los sentimientos de desesperanza y tristeza. Por lo que este retrato de una pareja y su pequeño hijo en la playa con posturas cabizbajas y mirada agachada nos hace pensar que una tragedia los ha consumido. Ya sea pobreza o la muerte de algún ser querido, lo cierto es que esa imagen es algo con lo que podemos relacionarnos como seres humanos y los momentos difíciles de la vida que nos han arrebatado la esperanza.
El Viejo Guitarrista Ciego (1903)
En esta pintura se repite el mismo lenguaje corporal que transmite la pesadez de la vida. En este caso vemos a un viejo guitarrista que nos recuerda aquellos músicos callejeros que se arrinconan en las calles de la ciudad con intención de ganar algo para poder sobrevivir el día con la poca energía que la necesidad les otorga. Un retrato que podría representar la dualidad entre la tristeza y la esperanza a través del consuelo de la música.
“La Sopa” (1902)
En esta pintura ambientada en un cuarto simple con tonos azulados y verdosos nos muestra un acto simple y reconfortante en medio de la escasez. Una madre de semblante triste dándole un plato de sopa a su hija pequeña como una representación del esfuerzo de las madres por cuidar de sus hijos aun cuando llevan consigo una carga pesada de cansancio y melancolía en los momentos difíciles.
“Mujer Planchando” (1904)
En esta pintura, a diferencia de las anteriores, el azul cambia su tonalidad y pasa a ser un azul oscuro que se mezcla con el negro y el café, creando un ambiente casi moribundo que combina con la delgada y frágil mujer de aspecto demacrado mientras plancha. Casi como si se tratase de la imagen misma del alma siendo consumida por la esclavitud de la monotonía a la que se someten las amas de casa, representada a través de la imagen de una mujer cansada, triste y estancada en la rutina.
Blue Nude (1902)
Aquí nos muestra un desnudo femenino en tonos azules de espaldas en una posición vulnerable en lo que parece ser una mujer triste en una habitación sola y cansada. El contexto de su tristeza es abierta a la interpretación y, sin embargo, es una postura común que todos hemos adoptado cuando nos sentimos heridos, arrepentidos o melancólicos. Logrando su objetivo de transmitir estas emociones al espectador.
Arlequín pensativo (1901)
Cada obra está influenciada por el estado de Picasso durante esos años, sus amistades y periodos importantes de su vida y como artista, el circo y los artistas teatrales formaron parte de su vida. Este payaso de aspecto serio y pensativo sentado en un bar mezcla el lado creativo y libre del arte, chocando con la pesadez del mundo real.
“El Entierro de Casagemas” (1901)
En este otro homenaje a su amigo Carlos, representa la muerte con influencias bíblicas semejando el plano terrenal y el celestial. Sin embargo, a diferencia de las pinturas bíblicas, el cielo es representado como una especie de paraíso con mujeres desnudas, caballos y lo que parece ser una mujer junto a sus alegres hijos, algo que se ha interpretado como un homenaje de Picasso hacia su amigo, dándole lo que más anhelaba en su vida terrenal. Mientras que en la parte superior del cuadro su cuerpo es enterrado y sus seres queridos lamentan su pérdida.
“La Mujer Muerta” (1903)
Continuando con la representación de la muerte, compartimos esta obra en donde al igual que en su pintura “La Muerte de Casagemas” vemos un primer plano del rostro de una persona muerta en lo que parece ser su lecho de muerte. Reflejando a partir de los colores verdes y azules un rostro carente de vida que, sin embargo, transmite la tranquilidad y serenidad de la muerte.
“Women Sleeping” (1904)
En este cuadro se nos muestra a una joven mujer durmiendo con tranquilidad mientras un hombre de traje azul a costado de su cama la observa pensativo. Algo interesante es que el azul y el negro están plasmados tan solo en el lado del hombre, mientras que el lado de la mujer tiene colores cálidos en una mezcla de café y amarillo. Dándonos un contraste entre la serenidad y comodidad de la mujer con el estado tenso y pensativo del hombre asilado que se limita a observarla, lo que podría representar la depresión y el aislamiento con los demás que esto nos provoca.
“Los Tejados de Barcelona” (1903)
Una de varias pinturas que Picasso pintó de los tejados urbanos desde la terraza del estudio en donde trabajaba, esta vez siendo retratada en dos niveles en lugar de una perspectiva panorámica plasmada a partir de pinceladas más gruesas y definidas para la vista de enfrente y un estilo más suave y difuminado para la parte de atrás. Transmitiendo así una tranquila y nostálgica noche de Barcelona.
“La Vie” (1903)
El trasfondo de esta interesante pintura que nos muestra a una joven pareja desnuda frente a una madre con un bebé en brazos está relacionada nuevamente con su amigo Casagemas, ya que la joven pareja es una representación de él y su novia Germaine, de quien se enamoró y por quien decidió terminar con su vida tras el fracaso de la relación debido a la impotencia. Muchos expertos han concordado en que la pintura representa a Casagemas y Germaine contemplando lo que no pudieron tener (un hijo). Sin embargo, al descubrir el boceto detrás del lienzo se percataron de que el primer diseño mostraba al joven con la apariencia del mismo Picasso, algo que muchos creen, representaría originalmente a Picasso y a Germaine, quien también fue su amante luego de la muerte de Casagemas. Retrato que terminó siendo descartado y reemplazado por el que conocemos.
“Old Jew and Boy” (1903)
La representación de la vulnerabilidad a través de la vejez y la infancia. Una vez más, Picasso representa la tristeza y fragilidad de la indigencia en esta pintura, donde se observan a un anciano y un niño con rostros resignados ante su desdicha, mientas esperan sobrevivir un día más. Un lienzo simple que transmite la cotidianidad de la miseria y la necesidad.
“Le Gourmet” (The Greedy Child) (1901)
En esta pintura la soledad vuelve a ser el tema central, representada a través de la infancia y esa sensación de aislamiento en un mundo de adultos. En el lienzo se observa a un niño en una fiesta hurgando en las sobras de la mesa mientras los adultos se representan como figuras abstractas al fondo. La luminosidad centrada en la figura del infante a través del blanco y el azul reflejan la división entre el mundo insípido de la adultez y la infancia inocente e imaginativa que intenta sobrevivir a las normas y etiquetas de los adultos con un toque de fastidio y aburrimiento expresados a través del rostro del niño.
Si bien existe una gran cantidad de pinturas hechas durante este periodo, estas son algunas de las más representativas y misteriosas de la colección, que esperamos puedan despertar el interés por el resto de sus obras.
***
Recommended for you
Leave a Reply
Este sitio usa Akismet para reducir el spam. Aprende cómo se procesan los datos de tus comentarios.
